Qué es el arte y para qué sirve?

Veía esta mañana una noticia en la que mostraban dibujos hechos por niños en Siria.  «Espeluznantes dibujos de los niños sirios en un colegio en Alepo», era el titular.

Los dibujos eran, efectivamente, espeluznantes.  Aquí estamos acostumbrados a ver dibujos de los niños que muestran una casa, una familia, unas flores, un sol..  Los dibujos de aquellos niños mostraban calaveras, personas grandes apuntando con un arma a personas más pequeñas, grandes manchas rojas, helicópteros bombardeando desde arriba, cadáveres, palomas de la paz.  Palomas de la paz con la bandera de Siria y la de EEUU…

Tristemente estamos tan acostumbrados a ver noticias de este tipo que por lo general no reaccionamos a ellas.  Las escuchamos y no ponemos atención, como quien mira la previsión del tiempo en un lugar donde no vive.  Ah mira, está lloviendo en Cuenca.  A veces nos da un escalofrío y pensamos en el horror que debe de ser vivir en un lugar en guerra, pero estando tan lejano no somos capaces de sentirlo en nuestra piel, y siendo conscientes de que nada de lo que sucede está en nuestras manos, enseguida nos distraemos y nos ponemos a pensar en otra cosa más cercana.

A mí estos dibujos se me quedaron grabados en la cabeza durante todo el día.  Pensar en esos niños que miran a su alrededor e identifican la muerte con la normalidad.  Pensar que para ellos los cadáveres y la sangre son parte de la vida, como para nuestros niños lo son los árboles, los coches o los pájaros…

Pero no he empezado a escribir con la intención de cuestionar cómo es posible que la humanidad permita este tipo de cosas porque son cosas que nunca podremos entender desde la comodidad de nuestros sofás.   Seguramente a estas alturas os estáis preguntado qué tiene todo esto que ver con el título de la entrada?

El caso es que mirando estos dibujos me vino a la cabeza el tema del arte, al que por mi profesión, he estado siempre relativamente ligada.  Qué es el arte y para qué sirve? Se ha discutido mucho sobre este concepto.   Quién decide cuándo una obra es arte y cuando no? en qué momento una persona se convierte en artista?  Por qué un rectángulo pintado de rojo puede llegar a valer millones?

Cada uno tendrá sus opiniones al respecto.  Especialmente el arte moderno da mucho que hablar y desde luego es más que cuestionable, pero tampoco estoy aquí para juzgar las emociones/turbaciones/excitaciones/orgamos que cada uno pueda experimentar cuando se encuentra de frente a una de estas obras.

Por lo que a mí respecta, he intentado descifrar el signficado de esta palabra durante años, me he involucrado (aunque no he hecho un gran esfuerzo, he reconocerlo) y he tratado de entenderlo, pero todavía sigo haciéndome la misma pregunta, la del título.

Sin embargo esta mañana, viendo aquellos dibujos de los que hablaba al principio, se me antojaron mucho más conmovedores, expresivos e inspiradores que cualquier cuadro que haya visto jamás en una exposición.

He buscado arte en el diccionario de la RAE, y la segunda acepción de la palabra es «Manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo real o imaginado con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros.»  Hay quien dice que arte es todo aquello que, proviniendo del interior de una persona (el supuesto artista) posee la capacidad de expresar algo o de generar algún tipo de emoción/conmoción en los demás.  Si nos preguntamos para qué sirve, los artistas a menudo argumentan que el arte sirve para alimentar el alma de las personas, para hacer el mundo más bello, para educar, para difundir ideas…  y por supuesto no podemos olvidar la parte económica y el mercado que genera.

Pues bien, si el arte es una manifestación humana que expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo real, estos dibujos son, sin duda alguna, obras de Arte, y su valor es incalculable.

Qué bonito sería si la gente rica se peleara por conseguir una de estas piezas y el dinero recaudado con ellas fuese destinado a evitar que un sólo niño en el mundo viva en medio de la muerte.  Esto sí serviría para hacer el mundo más bello, para educar, para difundir ideas y para alimentar el alma de las personas.

Y no los rectángulos rojos.

Este dibujo nos muestra una niña que quiere huir de la guerra escondiéndose en el fondo del mar.

 

Heineken Jazzaldia

Os dejo el cartel que he presentado al concurso de carteles para el festival Heineken Jazzaldia de este año.

La idea recoge la tipografía utilizada en todas las ediciones anteriores del festival, bajo el lema «never play a thing the same way twice»  (nunca toques algo de la misma manera dos veces), que decía (dicen) Louis Armstrong….

Si os gusta y quereis dejarle un voto pasaros por aquí

El plazo para votar acaba mañana (10 marzo), no os culparé si no llegais a tiempo (mi despiste habitual….)

Gracias por adelantado!!!!

La Ciudad de la Cultura, pero… de cuál?

Soy gallega y me siento orgullosa de ello.

Me siento orgullosa de nuestra cultura, de nuestra gente, de nuestras costumbres… de nuestros paisajes y nuestra Arquitectura, de nuestros pueblos, de nuestras playas, de nuestra lluvia y nuestra indecisión.  Me halaga pensar que a la gente le gusta visitarnos, y que muchos de los que vienen acaban volviendo en busca de ese «nosequé» que, dicen,  tiene nuestra tierra.

Me siento orgullosa de pertenecer a un pueblo que siempre ha sido humilde, sencillo y, sobre todo, sincero.  Un pueblo que acoge a sus invitados con los brazos abiertos, mostrándoles sin pudor todas las caras de nuestra historia.

Quizás sería ahora el momento de mencionar el orgullo que me confiere la reciente inauguración de nuestra «faraónica» Ciudad de la Cultura que, según los medios, parece haberse convertido en el mejor reclamo que posee nuestra tierra.  Pero lo cierto es que yo, como gallega, no me siento orgullosa de ella.  Por más que salga en los telediarios, por más que intenten vendérnosla como el símbolo de la apuesta cultural gallega en Santiago de Compostela, a mí no me acaba de convencer.

Un proyecto arquitectónico desmesurado que, lejos de plasmar una supuesta concha de vieira, se presenta como un espejo de ambiciones y vanidades que unos pocos no han sabido controlar, no puede ser, en ningún caso, reflejo ni orgullo del pueblo y la cultura gallega.

Quizás habría sido más acertado invertir ese dinero en otro tipo de actividades que promovieran nuestro desarrollo cultural, o quizás es que la moda de crear  «templos» modernos a los que peregrinar sea la única forma de dinamizar una ciudad en nuestros días.  Pero lo cierto es que Santiago ya tiene un templo de peregrinaje, que aunque no es de los modernos, está a la altura de cualquier Guggenheim, y que me hace preguntarme si todo esto era realmente necesario, o si no habría sido mejor invertir en otro tipo de proyectos como la mejora, el impulso y el desarrollo de lo que ya tenemos en Galicia.

Pero nos pudo la envidia, nos pudo la soberbia y el engreimiento y no pudimos evitar querer ser como otros lugares que, gracias a la realización de un proyecto ambicioso se han dado a conocer al mundo.  Y me parece muy bien, no critico que haya quien esté dispuesto a arriesgar, a apostar por una idea y ser consecuente con ella. Pero, si estamos hablando de cultura, y se trata de potenciar nuestra identidad , al menos podían haber concedido el proyecto a cualquiera de los grandes arquitectos que han nacido en Galicia y que habría sabido representarnos de una manera más acorde a nuestra forma de ser, en lugar de confiar nuestra imagen y nuestro presupuesto a alguien que conoce Galicia tan bien como nosotros conocemos Nueva York, y a quien le importa un comino cuál es nuestra identidad o cuánto dinero tenemos que gastarnos con tal de ver realizado su capricho arquitectónico.

Quizás hayamos querido tocar el cielo y ahora no encontremos la escalera de bajada.  O a lo mejor todo esto tiene un final feliz y de repente nos convertimos en la envidia nacional.  Sea como sea,  creo que nunca podré sentirme orgullosa de ello porque si hay una palabra que defina nuestro pueblo, esa es «humildad», que es precisamente lo que creo que le falta a este proyecto.

Arquitescultura

La Arquitectura es el Arte de proyectar y construir edificios.

La Escultura es el Arte de modelar, tallar o esculpir en barro, piedra, madera, etc., figuras de bulto.

Estas definiciones podrían parecer claras en un primer momento. Sin embargo, ocurre en nuestros días que estas dos expresiones del arte tienden a acercarse, de tal manera que el límite entra ambas empieza a difuminarse.

Durante años, hemos dado por válida la definición de Arquitectura como aquello que implica la construcción de lo que conocemos como ”edificio”.  Cuatro paredes, un suelo y un techo, que albergan un espacio interior. Este espacio, a su vez, ha de tener una función, ha de ser habitable, en el más amplio sentido de la palabra.

Por otro lado, solemos pensar que el único fin de la Escultura es el de ser contemplada desde el exterior,  mientras que el interior de la misma no está ligado a ninguna función, sino que es un espacio residual no utilizable.

En los últimos años hemos visto ejemplos de esculturas que generan espacios interiores, al igual que hemos visto edificios que, en su exterior, tienden a acercarse a los principios escultóricos. Aun así,  estas piezas siguen siendo generalmente catalogadas dentro de una de las dos corrientes y tienden a ser rechazadas en la otra.

Las obras del arquitecto Frank Gehry, por ejemplo, han generado numerosos debates basados en su apariencia escultórica, pero siguen siendo mayormente aceptadas como edificios arquitectónicos y no como esculturas.

Image by http://picdit.wordpress.com/page/242/?pages-list

Otro ejemplo es la obra de Richard Serra, famoso escultor estadounidense, que ha sido más de una vez catalogada de arquitectónica, por su especial manera de moldear el espacio que genera.

Image by http://pequenamoleskine.wordpress.com/2007/03/31/la-materia-del-tiempo/

El mismo Serra, sin embargo, afirma rotundamente que  «Un arquitecto hace cosas funcionales y útiles. Un escultor hace cosas que son, por definición, inútiles en cuanto a su propósito”, negando cualquier tipo de relación entre su rama artística y la arquitectura.

Pero ahora tenemos un nuevo caso a estudiar. La firma londinense ReardonSmith Architects, en conjunción con el famoso escultor Antony Gormley,  se han propuesto revolucionar las relaciones tradicionales entre Arquitectura y Escultura , y se han unido para crear lo que, probablemente, sea el primer acuerdo amistoso entre ambas corrientes artísticas.  Cuatro paredes, un suelo, y un techo, que albergarán un espacio interior utilizable,  pero esta vez esculpidos cuidadosamente por las manos de un genio de las formas.

Image by Hayes Davidson

El proyecto es un hotel situado en el centro de Londres, que contará con una habitación un tanto peculiar, la que ocupará el interior de la escultura. “El arte es considerado un componente integral del edificio, que será habitado en lugar de simplemente adherido” (Patrick Reardon), con el fin de “Trasladar al interior la experiencia contemplativa que la escultura ofrece desde el exterior” (Antony Gormley).

Image by ReardonSmith Architects

Un proyecto arquitectónico que incluye una escultura, o una escultura que alberga un proyecto arquitectónico?  Quizás ambas afirmaciones sean válidas.  O, tal vez…  estemos hablando del primer proyecto Arquitescultórico de la historia del Arte.

Architesculpture

Architecture: the art or practice of designing and constructing buildings.

Sculpture: the art of making two-or three-dimensional representative or abstract forms , especially by carving stone or wood or by casting metal or plaster.

These two definitions could appear straightforward in the first place. Nevertheless, nowadays it seems that these two expressions of Art are tending to become closer  in such a way that the boundary between them has become diffuse.

Over the years we have accepted as valid the definition of Architecture as something that involves the construction of what we know as a “building”.  Four walls, a floor and a ceiling which accommodates an internal space.  This space would have a function; it has to be habitable in the broadest sense of the term.

On another hand, we use to think that the only purpose of any sculpture is to be contemplated from the exterior, while the space within it is not linked to any function but rather a residual and unusable space.

In the last few years however we have seen examples of sculptures which generate internal spaces. We have also seen buildings which, in their exterior, appear to follow sculptural principles. But still, these pieces of Art use to be included into one of the terms and excluded from the other.

The work of Frank Gehry, for instance, has been cause of numerous debates about its sculptural appearance, but they are still generally considered as buildings rather than sculptures.

Image by http://picdit.wordpress.com/page/242/?pages-list

Another example is the work of Richard Serra, which has been more than once considered as architectural, given the way his sculptures  shape the space within them.

Image by http://pequenamoleskine.wordpress.com/2007/03/31/la-materia-del-tiempo/

Nevertheless, it is the actual artist who declares that an architect creates functional and usable things, while a sculptor creates things which are functionally useless in their purpose, and denies any type of relationship between his work and Architecture.

But now we have a new case to study.  The London firm ReardonSmith Architects, in collaboration with the famous sculptor Antony Gormley are aiming to revise the traditional  relationships between Architecture and Sculpture, and together they are working on what will probably be the first friendly  agreement between these two expressions of Art. Four walls, a floor and a ceiling which contain an internal space, but this time they will be carefully created by the expert hands of a sculptor.

Image by Hayes Davidson

The project consists in a luxury Boutique Hotel located in central London, which will accommodate a rather peculiar room, the one within the sculpture. “The Art work is considered an integral component of the building to be inhabited rather than ‘stuck on’ ” (Patrick Reardon), in order to “translate to the interior the experience that we have from the exterior” (Antony Gormley)

Image by ReardonSmith Architects

An architectural project which includes a sculpture, or a sculpture which contains an architectural project?? Maybe both statements are correct, or… perhaps… we are just talking about the first Architesculptural project  in the history of Art.

La Ola

Nunca me gustó seguir la corriente. No creo en ninguna religión, no defiendo partidos políticos, no soy fan de ningún equipo de fútbol, no tengo ídolos musicales ni héroes de la infancia. Odio las modas y no venero las ideas de ningún colectivo o grupo social, ya hablemos de una pasajera tendencia estética o de un movimiento o cultura que haya sobrevivido durante décadas.

Cualquier tipo de agrupación, especialmente si es liderada (y la gran mayoría lo son) me parece peligrosa desde el momento en que el individuo deja de actuar según sus propias ideas para seguir una serie de normas impuestas que generalmente acepta sin contemplaciones. El peligro aumenta cuando se llega al fanatismo, que bloquea todo tipo de juicio racional para dar paso al más absurdo de los comportamientos.

Es posible una dictadura hoy en día? esta es una palabra que nos suena lejana, extinguida, caducada… tendemos a creer que en nuestros tiempos la individualidad está por encima del colectivismo, y sin embargo, vivimos rodeados de gente que es capaz de cualquier cosa con tal de seguir las normas del grupo al quiere pertenecer, muchas veces sin darse cuenta. Clamamos libertad porque es lo que creemos que queremos, pero en realidad estamos continuamente buscando cadenas que nos guíen porque, si nos soltaran, no sabríamos hacia dónde ir.

La película La Ola (Dennis Gansel) aborda este tema, en una crítica y brillante exposición de cómo funciona la manipulación de masas en un régimen totalitario. Referida implícitamente al nazismo alemán, nos permite llegar a comprender los orígenes del mismo, mostrándonos cómo lo imposible llegó a hacerse realidad y cómo una sóla persona fue capaz de dominar a millones, empujándolas hasta el punto de hacerles perder el juicio y consiguiendo que no sólo permitieran, sino que además apoyaran, una de las mayores vergüenzas de la historia mundial.

Pero… un momento… por qué estoy hablando en pasado? todavía no he mencionado que la película transcurre en la Alemania actual?

Tipp-experience

Es una campaña publicitaria muy interesante, y divertida, que me ha descubierto Ideacreativa.

Para verla, pincha aquí

No os lo perdais, y no os corteis en pedirle cosas al oso!! os llevareis sorpresas muy graciosas ;)

Honi mun

Siempre me ha fascinado todo lo relativo a la creatividad.  No importa el campo, uno puede crear objetos, arte, música, rimas, o simplemente sonrisas.  La cuestión es que cada vez que uno crea algo, está entregando al mundo una parte de sí mismo.  Conozco gente que puede generar ideas en cuestión de segundos, otros son capaces de improvisar un monólogo con la profesionalidad del que se ha aprendido un texto previamente, y hay quien puede convertir un simple papel en una hermosa garza sin haber estudiado papiroflexia.  Todos ellos tienen la suerte de contar con una mente privilegiada. Una mente capaz de pensar, de analizar, de asociar, de imaginar y por tanto, de crear.  No hacen falta estudios ni es necesario tener un gen especial, simplemente hay que buscar dentro de uno mismo y preguntarse: y yo qué soy capaz de hacer?

Esa misma pregunta se hizo hace un tiempo una simpática sevillana que conocí durante mi estancia en Karlsruhe, y la respuesta fue Honi mun.

Honi mun es la firma personal de Inma y sus dos hermanas que, juntando una ilusión común y la certeza de verse nacidas para crear, deciden presentarse a sí mismas en forma de pequeños complementos que pretenden transmitir esa ilusión a todo aquél que quiera descubrirse original, diferente y, sobre todo, natural.

Aquí puedes encontrar pendientes, diademas, horquillas, broches, y muchas cosas más.  Pequeños elementos que facilmente pueden convertirse en la pieza clave de tu atuendo.  Porque la belleza está en los detalles, y Honi mun sabe cuidarlos muy bien.

Como ellas mismas nos cuentan,  son pequeños objetos que van deslumbrando, que permiten que los demás nos conozcan un poquito más, y a la vez sentirnos fieles a nuestro estilo, el de cada uno.

Guillena (Sevilla) es la ciudad que vio nacer a las hermanas Portillo, y años después, en febrero de 2009, presenció el nacimiento de este taller artesanal de mano de las mismas.  Desde entonces, Honi mun y sus lianturas no han parado de expandirse con la facilidad de todo aquello que se hace con cariño e ilusión.  Ahora, Inma desde Barcelona y sus hermanas desde Sevilla, siguen creando para el mundo, y para ti.

Si quieres conocer un poco más sobre ellas, pásate también por visteadecuadamente, donde les dedicaron este artículo.

Desde aquí, sólo desearles mucha suerte con este proyecto y animarles a que sigan adelante con ese sueño que, poco a poco y sólo gracias al esfuerzo de las tres, se va convirtiendo en realidad.

Busca los 7 errores

Crees que una pelota de fútbol es igual que un balón de playa de los que regala Nivea?

Es lo mismo un lápiz que un bolígrafo? se fabrican cascos a partir de peceras? es igual un anillo que un pendiente de aro?  tu chaqueta… es una copia de la mía?

Crees que dos cosas con la misma forma son irremediablemente iguales? seguro que no.

Entonces, por qué piensas que esto

imagen http://www.vootar.com/a/Torre-Agbar

es lo mismo que esto?

imagen http://blogdeadolfo.wordpress.com

Seguro que todos las conoceis.  La primera es la Torre Agbar de Barcelona, obra del arquitecto Jean Nouvel, más conocida como el Supositorio o el Géiser.  La segunda, el edificio 30, St Mary Axe, also known as The Gherkin (el Pepino), de Londres.

Por alguna razón, cada vez que paso delante de esta última con alguna visita española escucho el mismo comentario:

-pues la de Barcelona es igual, menudo plagio!

Bien, las diferencias entre ambas torres son numerosas, y si bien hay muchos aspectos que no podrían adivinarse a primera vista, sí es fácil encontrar los siete errores sólo con contemplarlas de cerca.

No hace falta mencionar que la situación, el contexto y la relación de ambas torres con lo que les rodea es completamente distinto, al igual que las razones y la intención de cada arquitecto con su obra. La torre Agbar fue concebida como la materialización de un géiser, debido a que alberga las oficinas de la compañía de aguas de Barcelona. Sin embargo, la intención de la torre de Foster es… emmmm… alguien lo sabe?

Ni siquiera la forma, que es lo que hace que todo el mundo las «confunda» es igual en las dos torres, porque si un supositorio fuera igual de ancho y largo que un pepino no podrías…   en fin.

La estructura de las torres también es completamente distinta. Mientras los londinenses presumen de su audacia con el acero, en España seguimos construyendo en hormigón armado (aunque la estructura de Nouvel poco tiene que ver con las tradicionales)

La piel de ambos edificios es el siguiente de los errores, y quizás el que más salte a la vista. Si no fuera porque tu vida peligraría,  podrías subirte a lo alto de la torre de Foster y dejarte caer deslizándote suavemente sobre el vidrio de su fachada sin hacerte demasiado daño,

imagen http://www.flickr.com/photos/jordanharper/60922954/

mientras que una bajada por la torre barcelonesa acabaría con unas cuantas partes de tu cuerpo colgadas de las lamas (también de vidrio) horizontales que la recubren.

http://ac.silvaruiz.free.fr/blog/index.php?2006/05/16/51-jean-nouvel-y-la-torre-agbar

Además, desde la calle St Mary Axe podrías ver cómo trabajan los pepinillos mientras que el agua del géiser te bloquearía la visión de lo que pasa dentro de la torre barcelonesa.

El color, no hace falta comentarlo.

Cuántas van? 6? ok, una más y tendremos las 7 diferencias, pero para encontrar la última tendrás que dejar de mirar las imágenes. Empieza dándote un paseo por Londres.  Si no has estado nunca aquí googlea. Habiendo visto esta torre serás capaz de reconocer al menos dos o tres edificios del mismo arquitecto sin que nadie te diga que son de él.

Para ver obras de Jean Nouvel tendrás que desplazarte a distintos lugares, pues no creo que haya una ciudad que recopile tantas como Londres lo hace con las de Foster, pero googlea de nuevo, y verás que no es tan fácil reconocerlas a través de un patrón.

Si todavía sigues pensando que Jean Nouvel se ha limitado a copiar a Sir Norman, te diré que, si bien el pepino londinense se construyó antes que el supositorio barcelonés, ambos proyectos fueron concebidos al mismo tiempo y la similitud en sus formas no es más que fruto de la casualidad (al menos esto fue lo que leí hace un tiempo, lo cual no puedo asegurar que sea verdad, pero yo me lo creo)

Ahora tú, juzga por tí mismo.

Un nuevo símbolo para Europa

La bandera de la Unión Europea, que todos conoceis, fue diseñada en 1955 por el pintor Arsène Heitz, natural de Estrasburgo.

Como nos explican en la propia página web de la Unión Europea, es error generalizado el asociar el número de estrellas con el número de Estados miembros, pues el hecho de que sean 12 se debe a que este número ha sido desde siempre el símbolo de la perfección, lo completo y la unidad. Por ello, la bandera no se modifica con las ampliaciones de la UE.

Pero Europa ha cambiado mucho desde 1955, no sólamente en cuanto a número de Estados miembros sino en cuanto al carácter y finalidad de la Unión, sin embargo el símbolo se ha mantenido intacto hasta nuestros días.

Ha habido intentos de cambiarlo anteriores, pero ninguno de ellos resultó satisfactorio. Ahora, la fundación Design Den Haag, que trabaja en base a la relación diseño-gobierno, convoca un concurso con la intención de obtener una selección de logos que serán presentados formalmente a la UE.

El premio, o la certeza de que el símbolo será revisado, no existen. Pero a mi me ha parecido interesante la idea sí que he estado trabajando para presentar algunas propuestas, que aquí os dejo junto con el texto explicativo que envié (siento no traducirlo al español, pero se perdería su significado)

1. e-VOLUTION

ONCe UPON A TIMe I SAW A CONSTeLLATION.  A CIRCLe OF STARS WATCHING Me FROM THe SKY, WHeRe I COULD NeVeR ReACH THEM.

ONe DAY THe STARS CAMe DOWN, CLOSe TO THe PeOPLe. CLOSe TO Me.

THeY TOLD Me ABOUT PeACe, SOLIDARITY AND FReeDOM.  THeN THeY OPeNeD THe CIRCLe FOR Me TO JOIN THe CONSTeLLATION.

I JOINeD. SO I BeCAMe  e-UROP-e

AND eUROPe  BeCAMe M-e.

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2. EUROPE=EQUALITY

If you think yellow you will see an E for Europe and Equality.

If you think blue you will see an “equals” symbol.

But if you are open minded and you can think multicolor you will see how both work together.

INTEGRATION. COLLABORATION. EQUALITY. UNION. MUTUAL SUPPORT. STABILITY. HARMONY.

That´s what Europe is.

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3. EUROPE IS IN YOUR HANDS

Make a “C” shape with both your hands, put them together and rotate your right hand 90º as if you wanted to recreate this logo. Your hands should reflect integration, collaboration, mutual support between them, stability and harmony.

Now, move your hands down to the level of your stomach. Can you see the “e” ?

Congratulations, Europe is in your hands.